La Moribunda

Duración: 60 Min. Aprox.

ESTRELLA DE MAR 2018: MEJOR OBRA DE TEATRO ALTERNATIVO Y MEJOR ACTOR MARPLATENSE.

Obra teatral que deja al descubierto una parte de una parte de una parte del sistema social imperante. En un solo acto se despliega un vínculo humano-laboral incoherente y naturalizado a la vez. Dos hombres inmersos en una situación sin tiempo pero urgente que se convierte en una bola de nieve donde emerge lo absurdo de una realidad basada en el “sálvese quien pueda”, donde reina el desequilibrio, lo injusto.
Dos hombres inmersos en una situación sin tiempo pero urgente que se convierte en una bola de nieve donde emerge lo absurdo de una realidad basada en el “sálvese quien pueda”

Breves escenas de humor absurdo, recién salidas de nuestro laboratorio teatral, en estos momentos en donde parece posible que el mundo esté por estallar o quizás ya haya estallado y estemos viviendo en un tiempo post-apocalíptico y recién empezamos a enterarnos.

La obra transita el encuentro de dos mujeres en una ambigua estación de trenes, donde viajarán por sus vidas… la locura, el desamparo, la violencia , los padres, los hombres y sobre todo la profunda soledad serán temas que se cuestionarán en ese encuentro, con una crítica profunda a la cultura del individualismo y a la exclusión. Un texto cargado de poesía, de ternura, de humor y de dramatismo que se redimensiona en una adaptación que revisa y cuestiona la realidad individual y social enfrentando el dolor para seguir caminando la vida.

Un lugar que invita a la creación. Un encuentro para compartir. Una creación colectiva a través de las historias que nos habitan. La vida misma en un hecho artístico.
El Teatro Espontáneo es, esencialmente, una construcción colectiva. Una apuesta a lo grupal, lo subjetivo y emocional como potencial para las transformaciones individuales y sociales.
Una función de Teatro Espontáneo, habilita un encuentro entre quienes actúan y el público. Un público activo, narradores- protagonistas que comparten un recorte de su historia para que lxs actores se lo devuelvan en un hecho teatral. Se valoran las historias cotidianas de las personas, enlazándolas entre sí emotiva e intensamente. La música en vivo acompaña, mientras que la dirección posibilita un puente entre el público y lxs actores.
Se escucha atentamente, se deja atravesar y se improvisa un pedacito de vida.
La función se va construyendo de a poco, la vamos tejiendo entre todxs.
Entre los referentes teóricos del Teatro Espontáneo están Jacob Levy Moreno, el creador del psicodrama, y fue desarrollado posteriormente en Nueva York por los educadores sociales  Jonatan Fox  y Jo Salas (Playback Theatre) quienes posicionaron a esta propuesta escénica como una alternativa transformadora.

“La Espiralada” se conformó en el 2018, realizando su función estreno con gran llegada al público.
Sus integrantes proceden del campo de las artes, salud y educación, y de quienes surge la necesidad de desplegar esta tarea desde el corazón de la compañía hacia toda la comunidad, y en diversos espacios de intervención.

La Moribunda en un enrarecido ambiente contagiando la risa al extremo del llanto, las actrices desarrollaran una propuesta que traerá a escena la dramaturgia del “under” de los 90. En esa época Urdapilleta, escritor, actor y guionista nacido en Montevideo ya trabajaba en Buenos Aires junto a Tortonese, y a Batato Barea que es quien los inspira para componer el “hermano-hermana” que despiden en La Moribunda. En esta obra está presente el estilo desopilante del “trío” unidos a lo trágico por el sentimiento que provocó acompañar el adiós a Batato. La dupla Urdaspilleta-Tortonese de los sketches del programa “El Palacio de la risa” creado por otro grande del humor Antonio Gasalla, aparecen en La Moribunda, mezclando tragedia y humor en la temática de la desolación y el encierro. El humor negro se expande, las hermanas de la moribunda arman un mundo paralelo y fantaseoso, tal vez como forma para trascender un afuera conservador y manipulador de sus más profundos deseos. Como nota es interesante decir que la Obra fue conocida por priemera vez gracias a una transcripción que se publicó en “Fonanbulos”, revista teatral alternativa. De estas anecdotas y sobre el proceso creador se abrirá dialogo finalizada la función.

La Pajarera: gestos femeninos de resistencia es una creación colectiva que narra desde el lenguaje corporal y la imagen, momentos traumáticos de un pasado que persiste en el presente y la esperanza de una sanación en un futuro. Los cuerpos femeninos portan las huellas, las cargas de sus historias de vida; por varias razones muchas se callan, dejando esos cuerpos presos, el cuerpo como su propia jaula. Esos cuerpos no podrán ser libres hasta que no sean reinventados, rompiendo el silencio que se les impone. Así, en esa pieza dividida en tres momentos, transcurrimos por caminos de mujeres en resistencia que luchan contra el olvido, contra el silencio y sanan haciendo memoria, recuperando recuerdos, pero también enterrando otros. Pasaremos por Argentina en
homenaje a las Madres de la Plaza de Mayo, enseguida por el desierto de Ciudad Juárez (México) donde el silencio es testimonio del horror del feminicidio continuo y de la impunidad, y finalmente por Colombia donde abordemos el trabajo desde el cuerpo de las mujeres como territorio transgredido en medio del conflicto armado y sus capacidades creadoras para superar esas experiencias traumáticas. Estos gestos de resistencia simbolizan los sufrimientos que pesan y han pesado sobre las mujeres en Colombia y en el mundo. Este trabajo se inspira en testimonios y poesías de mujeres de la Plaza de Mayo, de militantes de Ciudad Juárez, de mujeres víctimas de Colombia y de experiencias propias como mujeres.

“La Soledad de las Luciérnagas” cuenta la historia de una pareja de educadores que intenta generar nuevas opciones de enseñanza, siguiendo como premisa que creen profundamente en la posibilidad de la educación, pero no quieren enseñar de la misma forma que les han enseñado a ellos. Paralelamente se
cuenta como establecen entre ellos, una relación profunda en términos emocionales.
En relación a la pedagogía, crean métodos no convencionales los cuales no son aceptados dentro de su propia institución, aunque según ellos repercuten positivamente en sus alumnos.
A través de un profundo cuestionamiento a los procesos educativos y a la educación en sí, que es transmitida social y culturalmente: donde al joven se lo instruye imponiéndole un sinfín de normas, moral, culpa, etc. Nos interrogamos acerca de qué cosas son verdaderamente propias y cuales son simplemente “heredadas” sin opción. Incluyendo maneras de ser, de pensar, de sentir de cada persona.
Con los años, ellos se percatan que si bien se pueden explorar nuevas maneras de enseñar, hay cosas en la vida que no pueden ser enseñadas sino que deben ser vividas. Estas conclusiones las sacan a partir de sus propias vivencias afectivas.

La puesta en escena cuenta con el apoyo de varios distinguidos artistas.

El Vestuario lo ha realizado Pepe Rosales; la utilería: Sofía Zapata, Marian Morillo y Camilo Pacheco. El Diseño e Ilustración es de Sofía Zapata. Las Fotografías son de Francisco Ipanaqué y Carlos Pangol.